Jan Groover, der Fotograf, der die Metaphysik von Küchenutensilien entdeckte

Das Cover des Artforum-Magazins vom Januar 1979 soll ein Zeichen dafür gewesen sein, dass das fotografische Medium die Kunstwelt endgültig erobert hatte. Es zeigte eines der charakteristischen Stillleben von Jan Groover (Plainfield, New Jersey, 1943 – Montpon-Ménestérol, Frankreich, 2012). Das war das erste Mal, dass ein Foto als Hauptattraktion in einem spezialisierten Kunstmagazin diente. Das Titelbild war Teil der bekanntesten Serie des amerikanischen Künstlers, Kitchen Still Lifes. „Seine üppigen Farben waren ebenso beeindruckend wie seine Preise“, bemerkte der Kritiker Andy Grunberg in der New York Times.

Dem berühmten Cover ging eine Ausstellung in der New Yorker Sonnabend Gallery voraus, wo die verführerischen und zeitlosen Stillleben aus Pflanzen, Gemüse und allen Utensilien, die der Autor in der Küche zur Hand fand, einen bedeutenden Wendepunkt in der Karriere dieses Fotografen markierten. Groover wurde immer von der „wilden Idee verfolgt, dass man den Raum verändern könnte – was man kann“, sagte sie. Ein Jahrzehnt später festigte eine Retrospektive im MoMA ihr Ansehen. Deshalb argumentierte sie immer, dass ihre Arbeit nichts mit einem Thema oder einem Thema zu tun habe, sondern vielmehr mit der Beziehung zwischen den verschiedenen Elementen, aus denen sie besteht, und den Räumen, die zwischen ihnen verbleiben. Daraus entsteht ihre Kraft: Farben, Linien, Texturen und Formen haben Vorrang vor Bedeutung oder Inhalt. Ungeachtet der Absichten des Autors ruft Groovers Werk die Empfindungen der alltäglichen Welt, die wir teilen, so kraftvoll hervor, dass es einen unweigerlich in die ungeahnten Tiefen der Vorstellungskraft zieht, wo man glaubt, Bedeutungen wahrnehmen zu können, die man nicht sieht.

Obwohl die Künstlerin in den Vereinigten Staaten weithin anerkannt war – John Szarkoswki beschrieb sie als „eine der interessantesten und versiertesten Künstlerinnen ihrer Zeit“ – und in den letzten Jahren ihres Lebens in Frankreich lebte, blieb ihr Werk in Europa wenig bekannt . Glücklicherweise spendete der Maler und Kritiker Bruce Boice, der Ehemann der verstorbenen Fotografin, 2017 dem führenden Fotomuseum der Schweiz, Photo Elysée, eine Neubewertung der Arbeit einer Künstlerin, die ihr Leben damit verbrachte, sich neu zu erfinden. Die Ausstellung „Jan Groover: Laboratory of Forms“ begann dort und ist jetzt im Kutxa Kultur Artegunea, Tabakalera-Gebäude, in San Sebastián, Spanien, zu sehen.

Anhand einer Auswahl von mehr als 150 Fotografien und einigen Objekten lässt die Ausstellung den Betrachter in ein Universum eintauchen, das kraftvolle Anklänge an die Strenge und Sauberkeit von Giorgio Morandi, die metaphysischen Landschaften von De Chirico, die Majestät von Fra Angelico und andere Renaissance-Künstler aufweist Groover suchte ständig nach Inspiration; Auch der formalistische Perfektionismus von Edward Weston beeinflusste ihre Arbeit. Obwohl Groovers künstlerische Anfänge in der abstrakten Malerei lagen, widmete sie sich Anfang der siebziger Jahre voll und ganz der Fotografie. „Ich habe eine Zeit lang so getan, als wäre ich Maler. Fast direkt nach der Schule begann ich zu fotografieren – ich fotografierte die Geschichte der Fotografie und wiederholte viele Dinge. Ich tat immer noch so, als wäre ich ein Maler, auf diese Weise konnte ich mich entspannen und fotografieren, sogar dumme Fotos machen, und das spielte keine Rolle“, erinnert sich der Künstler. „Dann kam mir eines Tages der Gedanke, dass ich nicht alles erfinden wollte, also hörte ich mit dem Malen auf. Dann habe ich herausgefunden, dass man sowieso alles erfinden muss.“

So gelang es der Autorin Jahre später, „die Realität durch die Fotografie unaufhörlich zu verändern und nach ihren Wünschen zu manipulieren“, sagt Tatyana Franck, Co-Kuratorin der Ausstellung mit Émilie Delcambre Hirsch. Die Komposition, durch die sie Vorstellungen von Perspektive und Maßstab erforscht, ist von grundlegender Bedeutung für ihre Arbeit. Groover scheint mit Objekten zu „malen“. „Sie tut in Fotografien das, was Menschen traditionell von Gemälden erwarten. Sie beschäftigt sich mit dem Raum“, betont Boice in der Dokumentation Jan Groover: Tilting at Space.

Den Auftakt der Ausstellung bilden die Polyptychen, mit denen sie erstmals in den 1970er-Jahren in der Fotoszene auftrat. Inspiriert durch Renaissance-Gemälde und die Verwendung dieses Formats zeigte sie ihr Interesse an der Tradition der Bildgestaltung sowie ihre Neigung zu den konzeptuellen Strömungen der Zeit. Dazu gehören Fotos von Autos, die am selben Ort vorbeifahren, von genau demselben Punkt aus aufgenommen, und Fassaden von Häusern, die einander sehr ähnlich sind. Die meisten Bilder sind ohne Titel. Sie scheinen auf Fragen nach Zeit, Entfernung und Bewegung anzuspielen – dieselben, die Eadweard Muybridge inspiriert haben, einen weiteren Einfluss auf die Arbeit des Künstlers – und verweisen auf die dem fotografischen Medium innewohnende Mehrdeutigkeit. „Nur ein New-Bauhaus-Experimentator würde behaupten, etwas zu fotografieren, das nicht existiert. Wenn wir aus Miss Groovers Kunst keine Geschichten formen können, können wir zumindest Veränderungen in der Atmosphäre und der Atmosphäre feststellen, die Bände sprechen“, schrieb der Kritiker William Zimmer.

In den späten 1970er Jahren entdeckte Groover das Platin-Palladium-Verfahren, eine Technik, die ihrer Karriere neue Wege eröffnen sollte. Der Künstler erforschte nicht nur das Genre des Stilllebens, sondern setzte es auch in Landschaften, Porträts und Akten ein. Viele Freunde und Verwandte posierten für sie, entweder im Freien oder in der Privatsphäre ihres Ateliers. „Sie erforschte Körper auf die gleiche Weise, wie sie Obst und Gemüse in einem ihrer Stillleben erkundete“, bemerkt Delcambre Hirsch. Körperfragmente wurden entpersonalisiert und erhielten die Qualität eines Objekts. Schließlich ist alles Geometrie. Sorgfältig konstruiert und kontrolliert, war die Fotografie für den Künstler eine Frage von Raum und Form.

„Jans Problem mit Sammlern, Kritikern und Fotoexperten besteht darin, dass sie die Bedeutung leugnet; und was jeder zu wollen scheint, ist Sinn“, schreibt Boice in einem Text, der im Ausstellungskatalog enthalten ist. „Ein schöner Tag und eine schöne Landschaft haben keine Bedeutung. Bei einem altmodischen Spielzeug oder einer altmodischen Waffe, die man auf einem Flohmarkt findet, geht es nicht um Waffen oder Gewalt; es weist einfach auf etwas anderes innerhalb eines Fotos hin, so wie ein Finger in einem Renaissance-Gemälde auf etwas innerhalb der Leinwand zeigen würde [...] Aber jeder möchte Bedeutungen [...] Wie sonst kann ein kraftvolles visuelles Erlebnis erklärt oder betrachtet werden? Bei Jans Fotografien ging es nie um Bedeutung, sondern nur um den Nervenkitzel, etwas zu sehen.“

Jan Groover: Labor der Formen. Kutxa Cultural Artegune. Kutxa-Stiftung Tabakalera-Gebäude. San Sebastián, Spanien. Geöffnet bis 12. November.

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